Un decorador de Módena descubre la cámara

 Franco Fontana nació el 9 de diciembre de 1933 en Módena, una ciudad del norte de Italia conocida por su industria automovilística y por una tradición cultural que pocos asocian con la vanguardia fotográfica. Nada en su formación inicial apuntaba a una carrera artística: Fontana era un trabajador que se ganaba la vida como decorador en un establecimiento de muebles. Fue en ese contexto, rodeado de texturas, colores y composiciones visuales cotidianas, donde desarrolló una sensibilidad cromática que más tarde se convertiría en la seña de identidad de su obra. Comenzó a fotografiar de forma autodidacta en la década de 1950, sin formación académica alguna ni acceso a los círculos fotográficos establecidos. Su primera herramienta de aprendizaje no fue un libro de técnica fotográfica, sino la observación directa de la pintura.

En 1961, Fontana se inscribió en un club fotográfico aficionado de Módena, un espacio modesto que le permitió compartir sus primeras imágenes y recibir retroalimentación. Poco después, en 1965, celebró su primera exposición individual en la Società Fotografica Subalpina de Turín, un hito que marcó el inicio de una carrera que se extendería durante casi siete décadas.

Lo que hacía singular a Fontana desde aquellos primeros años era su elección radical: en una época en la que la fotografía artística era sinónimo de blanco y negro, y en la que el color se consideraba un recurso propio de la fotografía comercial o amateur, Fontana eligió el color como medio expresivo principal. Esta decisión, tomada en los años sesenta, lo convirtió en pionero de la fotografía en color una década antes de que el mundo del arte aceptara el color como medio creativo legítimo.

Paisajes sin horizonte: la abstracción del territorio

El núcleo de la obra de Franco Fontana es su tratamiento del paisaje como materia abstracta. Fontana no fotografía paisajes de la manera convencional: no busca la postal, ni la contemplación nostálgica, ni el documento geográfico. Lo que hace es reducir el territorio a sus componentes esenciales —líneas, planos de color, proporciones geométricas— hasta que la imagen pierde su referencia recognoscitiva y se convierte en algo próximo a la pintura. Sus paisajes de la campiña italiana, especialmente los realizados en Puglia y otras regiones del sur, son franjas de color saturado —verdes, amarillos, ocres, azules— que se superponen con la precisión de un cuadro de Rothko. Un campo de trigo puede convertirse en una banda amarilla; un cielo nublado, en una superficie blanca o gris; el mar, en una línea horizontal que divide la composición en dos bloques cromáticos.

Este enfoque le valió ser reconocido como el inventor del concepto de línea en la fotografía, una idea que va más allá de lo puramente compositivo. Para Fontana, la línea no es solo un elemento de organización visual, sino el eje vertebrador de toda su poética: la línea del horizonte, la línea que separa dos colores, la línea que delimita un campo y un cielo. Con dos o tres colores primarios y una geometría de proporciones muy estudiadas, Fontana construía imágenes que funcionaban como cuadros minimalistas. Sus fotografías han sido comparadas de forma sistemática con la obra de pintores como Mark Rothko, Barnett Newman, Nicolas de Staël, Richard Diebenkorn y Piet Mondrian, y la comparación no es gratuita: Fontana concebía la fotografía como un medio plástico más, sin complejos de inferioridad respecto a la pintura.

Skyline y la consolidación de un lenguaje propio

En 1978, Franco Fontana publicó su primer libro, Skyline, un volumen que recopilaba años de trabajo y que se convirtió en un punto de referencia para la fotografía de paisaje en color. El libro, que incluía un texto introductorio del historiador de la fotografía Helmut Gernsheim, presentaba al mundo la visión madura de Fontana: paisajes italianos reducidos a esencias cromáticas, marismas y campos que flotaban entre la representación y la abstracción pura. La publicación de Skyline coincidió, significativamente, con la publicación de Kodachrome, el libro de Luigi Ghirri, otro gran fotógrafo italiano del color. Juntos, Fontana y Ghirri representaban lo que se ha dado en llamar la escuela italiana de fotografía de paisaje en color, un movimiento que situó a Italia en el mapa de la fotografía artística contemporánea con una propuesta radicalmente diferente a la de la tradición documental anglosajona.

A partir de Skyline, la carrera de Fontana se aceleró de forma imparable. A lo largo de más de seis décadas, realizó más de cuatrocientas exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, publicó más de setenta libros y amplió su campo de trabajo más allá del paisaje natural. Sus series de paisajes urbanos aplicaban el mismo principio reductor a las arquitecturas de las ciudades, convirtiendo fachadas, tejados y calles en composiciones abstractas de color. También cultivó el retrato y el desnudo, géneros en los que aplicaba su sensibilidad cromática con resultados igualmente reconocibles. Además, su trabajo trascendió el ámbito artístico puramente para abrirse paso en la fotografía publicitaria: realizó campañas para marcas como Fiat y Volkswagen, en las que su tratamiento del color y la composición se puso al servicio de la comunicación comercial sin perder su rasgo estilístico personal.

Del paisaje al agua y la arquitectura: una visión total

Una de las dimensiones menos conocidas pero más fascinantes de la obra de Franco Fontana es su tratamiento del agua. En sus paisajes marinos y lacustres, Fontana encontró un tema que se prestaba como ningún otro a su búsqueda de la abstracción. El agua, al reflejar y distorsionar la luz y el color del cielo, le proporcionaba superficies cromáticas cambiantes que podía capturar en momentos de una belleza contenida y elocuente. Sus marismas y sus vistas del Mediterráneo son imágenes de una quietud que recuerda a las pinturas zen japonesas: planos de color que se funden en el horizonte sin transición brusca, donde el límite entre el agua y el cielo desaparece y la composición se reduce a una pura relación cromática entre dos o tres tonos.

En sus paisajes urbanos y arquitectónicos, Fontana aplicaba el mismo principio de reducción a la geometría de las ciudades. Una fachada rosa podía ocupar dos tercios del encuadre, con una ventana azul como único contrapunto. Un tejado rojo se convertía en un triángulo de color puro flotando sobre un fondo de cielo blanco. Esta capacidad para encontrar abstracción en lo cotidiano —para ver la pintura en la realidad más inmediata— es lo que distingue a Fontana de otros fotógrafos de paisaje que se acercan a la abstracción. No busca paisajes espectaculares ni localizaciones remotas: encuentra material suficiente para su lenguaje visual en un campo de la Emilia-Romaña, en una azotea de Milán o en la costa del Adriático. Su obra nos enseña que la abstracción no está en el sujeto sino en la mirada.

Un legado cromático para la fotografía contemporánea

Franco Fontana pertenece a esa estirpe de fotógrafos que cambiaron las reglas del medio no a través de manifiestos teóricos ni de escándalos provocadores, sino simplemente mostrando que era posible hacer algo que nadie había hecho antes. Su decisión de utilizar el color como lenguaje autónomo en los años sesenta, cuando el establishment fotográfico lo despreciaba, fue un acto de independencia creativa que anticipó en una década la aceptación institucional de la fotografía en color como medio artístico. Cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) comenzó a coleccionar fotografía en color en los años setenta, Fontana ya llevaba una década explorando ese territorio con una madurez que pocos podían igualar.

Su influencia se percibe hoy en la fotografía de paisaje contemporánea, en el uso del color como herramienta compositiva y en la corriente minimalista que atraviesa la fotografía artística actual. Fontana demostró que la fotografía no necesita documentar la realidad para ser verdadera, y que el color, lejos de ser un añadido decorativo, puede ser la esencia misma de la imagen. En un momento en que la sobreabundancia visual de las redes sociales ha banalizado el uso del color, volver a las imágenes de Franco Fontana es un ejercicio de purificación: un recordatorio de que dos o tres colores bien situados, una línea precisa y un silencio compositivo pueden contener más verdad visual que mil imágenes saturadas de filtros y efectos. Fontana no dejó huella en un tema concreto: dejó huella en la manera misma de entender el color en la fotografía.

Para conocer más sobre su trabajo:

Web oficial: francofontana.it

Atlas Gallery: atlasgallery.com (Franco Fontana)

The Independent Photographer: independent-photo.com (Franco Fontana)